Es ist später Vormittag. Eine gute Stunde lang war die Künstlerin mit dem Sammler Harald Falckenberg in ihrer Ausstellung in der ehemaligen Fabrikhalle der Harburger Phoenix-Werke unterwegs. Jetzt sitzt sie in einem Seitentrakt des Gebäudes an einem langen Konferenztisch und erinnert sich: »Damals machte niemand über solche Zusammenhänge Kunst, und schon gar nicht so, wie ich es vorhatte, nämlich großformatig. Das entsprach meiner Erfahrung mit dem Bühnenraum, die wollte ich life size in meiner Arbeit übersetzen. All diese Erfahrungen, die ich gemacht habe – im Medizinstudium, im Theaterstudium, in der Praxis – sind so zusammengekommen: Befund, Bildgröße, Inhalte.«

Ende der 1960er-Jahre – das ist die Zeit der Proteste, der Aktionen, der Sit-ins. Und Sieverding will dabei sein, mitmischen. Also leiht sie sich von Imi Giese eine Kamera, fotografiert tagsüber die Ereignisse, entwickelt nachts die Filme und plakatiert am nächsten Tag mit den Abzügen die Wände der Akademie. Ihr Debüt als Künstlerin und Fotografin im öffentlichen Raum ist mit Eigenbewegung aus den Jahren 1967 bis 1972 zugleich ein gesellschaftspolitisches Dokument über den Zustand West-Deutschlands. »Es war eine erste fotografische Arbeit, die Sinn ergab und die für mich zu einem Beleg für den »Erweiterten Kunstbegriff« wurde. Das war eine entscheidende Erfahrung«, so Sieverding.

1969 entsteht auch der Stauffenberg-Block I-XVI. Mit 16 glutroten Close-ups gelingt Sieverding die geradezu malerische Transformation einer Fotoreihe, die an Andy Warhols Porträt-Serien erinnert. Eine Arbeit, die bereits wesentliche Elemente künftiger Werke enthält. Da ist zum einen die Verwendung von Schwarzweißaufnahmen aus einem Passbildautomaten, die Sieverding reproduziert, kopiert, spiegelt und solarisiert und schließlich von ihr als Negativ rot über die gesamte Papierbahnbreite belichtet werden. Dadurch ergibt sich ein weiteres wichtiges Merkmal: das monumentale Maß von 190 x 125 Zentimetern – von nun an Sieverdings Standardformat für Porträtarbeiten.

Und da ist zum dritten der Inhalt: die Verschmelzung ihrer persönlichen Bildnisse mit der politischen Botschaft – in diesem Fall die Verbindung ihres durch die extreme Nahaufnahme nahezu entindividualisierten Gesichts mit dem Namen eines Widerstandkämpfers gegen den Nationalsozialismus: »Ich bin selber noch während dieser Zeit geboren, deswegen habe ich das auch zum Anliegen meiner Kunst gemacht.«

Das eigene Gesicht erscheint Sieverding als das ideale Medium zur Reflexion. Während des forschend-experimentellen Umgangs mit dem Projekt beginnt sie sich mit dem zu beschäftigen, was sie in den Selbstbildnissen eingeschrieben sah: die Auseinandersetzung der Elterngeneration mit dem Nationalsozialismus, die Frage nach Moral, nach politischer Verantwortung und nach dem, was Widerstand bedeutet. Denn in der Beuys-Klasse wird häufig über individuelle Verantwortung diskutiert und darüber, ob Kunst gesellschaftliche Konventionen und Normen zu durchbrechen vermag.

1978, knapp zehn Jahre später, thematisiert Sieverding mit Schlachtfeld Deutschland ein anderes deutsches Trauma: die Terrorakte der Roten Armee Fraktion und die Gewalt des Staates als Antwort. Eine Gruppe schussbereiter Männer des Polizei-Spezialkommandos GSG9 ist zu sehen, abgezogen als magenta eingefärbtes und mehrfach übereinander geschichtetes Negativ einer Schwarzweißaufnahme. Das Foto aus dem SPIEGEL, von Sieverding als Found Footage genutzt, zeigt den Moment der Erstürmung der Lufthansa-Maschine Landshut am 18. Oktober 1977, die fünf Tage zuvor entführt worden war, um die in Stuttgart-Stammheim inhaftierte RAF-Spitze freizupressen.